La actuación de la Big Band el pasado domingo 22 de enero en pleno corazón de Alcalá fue un éxito rotundo. O, al menos, eso sugieren las opiniones de los asistentes y el diario Dream Alcalá, que se hizo eco de la noticia esta misma semana.

Y es que actuar en este emplazamiento siempre es especial para la Big Band. Nuestra pasión por la música nos lleva a dar lo mejor de nosotros mismos, en particular cuando tenemos la oportunidad de actuar en el corazón de nuestra querida ciudad. Esa misma pasión que comparten nuestros socios y con cuyo apoyo la banda puede seguir adelante y ofrecer estos espectáculos tan especiales.

Desde la Asociación de Amigos del Jazz no podemos dejar de agradecer su apoyo a todo el público que casi abarrotó el teatro y que no dejó de aplaudir y de emocionarse con el espectáculo. Y es que la música, al compartirla, suena y se siente mucho mejor.

Tampoco nos olvidamos del staff técnico, que hizo posible que la banda contase con unas condiciones envidiables de sonido e iluminación, así como el personal del Teatro Salón Cervantes por su trabajo y al Excmo. Ayuntamiento de nuestra ciudad, por apoyar un proyecto del que todos los alcalaínos pueden seguir sintiéndose orgullosos.

Gracias, gracias, gracias… y, otra vez, gracias.

(Puedes ver más vídeos del concierto y de espectáculos anteriores en el Canal de YouTube de la Big Band)

Pocos artistas han conseguido tener una carrera tan longeva y exitosa como Tony Bennett, especialmente si han decidido mantenerse fieles a un estilo que perdió tanta popularidad durante dos décadas. Vamos a dar un breve repaso a su carrera y a conocer un poco más a un cantante incombustible y lleno de vitalidad.

Tony Bennett es el nombre artístico que adoptó Anthony Dominick Benedetto. Nacido en el distrito neoyorquino de Queens el 3 de agosto de 1926, se convirtió en uno de los cantantes estadounidenses más populares con sus interpretaciones de estándares de jazz. Una longeva carrera que cesó en 2021 y que nos dejó un buen número éxitos.

Los inicios de Tony Bennett

Lo que muchos no saben de Bennett es que se alistó en el ejército norteamericano y combatió en el Frente Europeo las etapas finales de la Segunda Guerra Mundial. Cambió las armas por la técnica vocal cuando finalizó el conflicto bélico, llegando a firmar un contrato con Columbia Records.

Sus primeras interpretaciones seguían más línea de las canciones clásicas de la música popular norteamericana: así, en 1951 llegó al número uno con Because of You, antes de subirse definitivamente al carro del jazz. Una corriente que ya no abandonaría jamás, y donde comenzó a mostrar todo su potencial a finales de esa misma década con álbumes como The Beat of My Heart y Basie Swings.

En 1962, Bennett grabó I Left My Heart in San Francisco, su canción más conocida. Sin embargo, el éxito de nuestro protagonista se vio eclipsado por la eclosión de la música rock durante las décadas de 1970 y 1980. El jazz parecía una cosa del pasado, y todo parecía indicar que la carrera de Bennett había llegado a su fin.

La segunda juventud: sus mejores años

Pero, felizmente, tras el boom del rock (que también se estabilizó y cuya influencia llega hasta nuestros días), Tony Bennett pudo regresar al primer plano de la actualidad musical. Tras unos años de toma de contacto con un público mucho más joven, Bennett se lanzó a grabar álbumes de duetos entre 2006 y 2014 junto a artistas de la talla de Alejandro Sanz, Lady Gaga, Amy Winehouse, Thalia, John Mayer, Gloria Estefan y Elton John, entre otros. Sin duda, toda una apuesta por conjugar presente y pasado de la historia de la música.

Y lo cierto es que al bueno de Bennett le salió bien la jugada. Cuando se retiró definitivamente en 2021, lo hizo con 18 premios Grammy, dos premios Emmy y 50 millones de discos vendidos a sus espaldas. Llama la atención que los mejores años de su carrera fueron los últimos, demostrando al mundo que no hay edad para dedicarse a la música, y que los viejos rockeros no son los únicos que nunca mueren.

En la Big Band de Alcalá de Henares rendimos homenaje a Tony Bennett con nuestra adaptación de la pieza The Lady is a Tramp, popularizada en 2011 en un dueto junto a Lady Gaga.

El viernes 25 de febrero de 2022 la Big Band probó los nuevos equipos de sonido del auditorio, en un acto en el que el equipo de gobierno presentó el resultado de las inversiones realizadas en la adecuación de este espacio, y que contó con la presencia de amigos y familiares, miembros de la Asociación y representantes políticos de la localidad.

Aquí os dejamos el resultado de las pruebas. Suena bien, ¿verdad?

Con su última actuación, emitida en Antena 3 la noche del sábado 22 de enero, nuestro cantante John Romero se ha ganado el acceso a la final del programa «La Voz Senior».

Compitiendo con otros grandes artistas veteranos, nuestro querido John nos deleitó con su particular versión del tema «Hey Jude«, lanzado por los Beatles en 1968.

¡Disfruta de la actuación de John!

La seña de identidad de la Big Band de Alcalá de Henares es la unión entre antiguos alumnos y músicos profesionales.

Uno de ellos es nuestro cantante John Romero, que nos deleitó con una impresionante actuación en el programa de televisión «La Voz Senior», emitido en Antena 3 el pasado sábado 8 de enero.

Aquí tenéis la actuación de John: una versión del «Kiss«, popularizado por Tom Jones. ¡Todo un orgullo para la Big Band!

La fusión de estilos musicales supone una gran aportación a la creatividad, y contribuye a que el público disfrute de nuevos ritmos y armonías que permanecerían inexploradas en caso contrario: si no, que se lo digan a James Brown, que aunó como nadie Funk, Soul y Jazz en sus piezas.

Orígenes: primeros pasos y creación del Soul

Nacido en Carolina del Norte el 3 de mayo de 1933, de orígenes muy humildes y abandonado por su madre, el joven James se vio obligado a buscarse la vida con trabajos de todo tipo, y tuvo unos cuantos altercados con las fuerzas del orden, que le llevaron a pasar tres años en prisión y otros tres en un reformatorio.

Después de estos incidentes juveniles, su carrera musical dio el pistoletazo de salida con su incorporación al grupo de gospel The Starlighters (1953); un año después, una afortunada intercesión de Little Richard consiguió un contrato discográfico para la banda (renombrada entonces como The Famous Flames).

Su mayor logro consistió en llevar los modos de Iglesia inspirados en el gospel al R&B, en una época de revindicación racial en Estados Unidos: estaba naciendo el Soul.

Comenzando a fusionar estilos

En la década de los 60, el Twist hacía su aparición en las listas, relegando al R&B a un papel más secundario: Brown se percató que ser fiel 100% a su estilo original era incompatible con la supervivencia de su carrera, así que cogió elementos de jazz y twist y los fusionó con su R&B. El resultado fueron piezas como Night Train o Good good lovin‘.

El 24 de octubre de 1962, su banda actuó en el Teatro Apollo de Nueva York, y el propio Brown pagó de su bolsillo la grabación del concierto para utilizarlo como herramienta promocional: al año siguiente, tuvo lugar la producción y el lanzamiento de dicha grabación en el LP Live at the Apollo. Este fue uno de los primeros discos en directo que salieron al mercado.

La creación del Funk y sus mejores años

Y resultó que a James se le acumuló el trabajo durante el resto de la década de los sesenta, con éxitos como I’ll go crazy, Think, Shout and Shimmy, Prisoner of Love o I feel good. Sin embargo, dio con la fórmula de su éxito cuando, a partir de 1965, comenzó a resaltar el ritmo sobre la melodía durante toda una canción (Papa’s got a Brand New Bag), incluyendo compases asincopados y rasgueos de guitarra haciendo de puente.

Esta seña de identidad también formó parte del tema Cold Sweat, de 1967: el modo «1» consiste en una repetición rítimica en un acorde estático. Sin saberlo, Brown acababa de sentar las bases del Funk, un género que propició el desarrollo de la música disco, el afrobeat y el Hip-Hop durante los años venideros.

Lo que ocurrió después fue que James vivió sus años más prolíficos, en los que se construyó el grueso de la música que ha llegado hasta nuestros días: en 1970 vio la luz Sex Machine, número 1 en las listas de R&B en ese mismo año, y máximo exponente de lo que Brown aportó a la música.

El legado del ‘Rey del Soul‘

Hay una cualidad que define a Brown por encima de las demás: muchos artistas se refirieron a él como «el trabajador más duro del mundo del espectáculo«, título honorífico respaldado por sus más de 300 conciertos solo en el apogeo de su carrera.

También era conocido por la disciplina férrea con la que trataba a sus músicos, llegando incluso a ponerse violento con ellos si cometían algún error.

Hablando estrictamente de música, Brown popularizó la concentración de todos los instrumentos en generar un ritmo por encima de la melodía, algo sin precedentes en su época.

Finalmente, Brown nos dejó a causa de una neumonía durante la madrugada del 25 de diciembre de 2006, mientras permanecía ingresado en un hospital de Atlanta. Desde la Big Band de Alcalá de Henares, rendimos homenaje a su figura con la interpretación de I Feel Good, compuesta originalmente en 1964.

Cuando suenan las primeras notas del archiconocido «In The Mood«, todos pensamos en Glenn Miller y su orquesta, pero muchos no conocen a la persona que soplaba el saxofón en este icónico tema y en otras famosas piezas de la historia del Jazz: se trata de Joseph Garland, un compositor y arreglista cuya carrera repasamos hoy en nuestro blog.

Garland nació en 1903 en la localidad de Norfolk, en el estado de Virginia: comenzó a estudiar en la la Universidad de Shaw y en el Conservatorio Aeolian , compaginando la interpretación de la música clásica con su incorporación en 1924 a una banda de jazz, los Seminole Syncopators de Graham Jackson.

Tras un lustro colaborando con ilustres nombres del jazz de la época como Elmer Snowden, Joe Steele, Henri Saparo, Leon Abbey, Charlie Skeete, Jelly Roll Morton y Bobby Neal, Joe se consagró como músico de sección y arreglista en varias formaciones, incluyendo tres años como director musical del mismísimo Louis Armstrong (de 1939 a 1942).

Después de seguir trabajando con varias formaciones, regresó junto a Armstrong en 1945, hasta llegar a un punto de retiro del primer plano musical a partir de 1950. Durante aquellos años, dirigió a pequeñas orquestas y hasta a una Big Band.

Apenas existe documentación sobre los siguientes años de Garland, hasta que nos dejó un 21 de abril de 1977 en Teaneck, Nueva Jersey. A pesar de que su biografía no da para mucho más, aquellos años en activo fueron suficientes para legar al mundo del jazz una anécdota especialmente curiosa.

El mencionado «In the Mood» es un tema de 1939 atribuido al propio Glenn Miller, pero su arreglo original data de 1938, bajo la denominación de «Tar Paper Stomp«, y se lo debemos a la Orquesta de Edgar Hayes; lo que hizo Miller, junto a Andy Razaf y a Joe Garland, fue lavar la cara y maquillar la composición original, y es este arreglo el que ha pasado a la posteridad, y no la creación geniuina del año anterior.

El hecho anecdótico está, precisamente, en el arreglo de Joe Garland sobre «Tar Paper Stomp«: un arreglo demasiado largo para ser incorporado a un formato de grabación a 78 rpm. Lo que sucedió fue que Garland «cedió» a Miller el arreglo, y éste lo acortó hasta convertirlo en la inolvidable secuencia que ha llegado hasta nuestros días.

La repercusión de Garland siempre ha estado marcada por la discreción del trabajo en la sombra; aun así, los grandes de la música no han obviado sus aportaciones, e incluso se puede encontrar un fragmento suyo en el «All you need is love«, de The Beatles.

Pocas voces tan icónicas han pasado a la historia como la de Francis Albert Sinatra: el prolífico cantante y actor, nacido el 12 de diciembre de 1915 en Hoboken (Nueva Jersey) en el seno de una familia de inmigrantes italianos, grabó más de 1.300 canciones e incluso hizo carrera en la gran pantalla.

Por encima de su dilatada trayectoria, siempre será recordado por su aportación a la interpretación vocal, gracias a un timbre inconfundible y a unos registros irrepetibles. A modo de curiosidad, fue el primer cantante que se valió conscientemente de métodos de amplificación del sonido para destacar sobre la orquesta y hacer llegar mejor su voz a los oídos de la audiencia.

Frank dejó atrás una infancia de estudios irregulares y encontronazos pandilleros con la policía; influenciado por artistas como Bing Crosby o Al Jolson, un encuentro con el bonaerense Carlos Gardel en 1934 cambió su vida para siempre. La entonces esposa de Sinatra se acercó al argentino tras una actuación y le habló de la gran voz de su marido: Carlos se acercó a él y le habló de la vida similar que él mismo había llevado en su juventud, convenciéndole para volcarse en el mundo de la música.

Espoleado por su charla con Gardel, Sinatra participó en el concurso Major Bowes Amateur Club, que supuso el comienzo de su carrera artística. Frank se encontró rápidamente con la dificultad de diferenciarse del gran Crosby, sobre todo por la falta de técnica a la hora de proyectar su voz. Una afirmación que resulta sorprendente, a tenor del rendimiento que posteriormente sacó Sinatra a su torrente vocal.

Tras un paso fugaz junto a la orquesta de Benny Goodman, Frank fue contratado por el trombonista Tommy Dorsey, al que no dudó de catalogar de “gran maestro”, hasta que en 1942 decidió iniciar su trayectoria en solitario. A finales de ese mismo año, Frank se convirtió en un fenómeno de masas tras una actuación en el Teatro Paramount de Nueva York, invitado por Goodman.

Durante esta primera etapa, Sinatra destacó por su esfuerzo en salir de los ritmos sincopados del jazz, típicos de la escuela de Nueva Orleans, para crear melodías que entrasen en el compás de cuatro por cuatro, más accesible para el oído del gran público.

A pesar del empeño de su maquinaria publicitaria por proyectar la imagen de un feliz y modélico hombre de familia, la realidad personal de Sinatra era bien distinta, al más puro estilo de “estrella contemporánea del rock”, con múltiples escarceos amorosos, cierto desorden en su vida social y controvertidas opiniones políticas. Esto le acarreó una pérdida de popularidad, y Sinatra atravesó una época de sombras que duró hasta mediados de la década de los 50.

En ese año, su participación en el largometraje De aquí a la eternidad le valió un Oscar; este hito supuso el inicio de una carrera cinematográfica de más de medio centenar de películas en la que incluso llegó a actuar junto a Marlon Brando, y se codeó socialmente con un selecto grupo de famosos de la talla de Humphrey Bogart o Judy Garland, con la que mantuvo un romance poco después.

En lo que concierne puramente a la música, Sinatra estuvo vinculado a la firma Capitol hasta finales de la década de los 50, con quienes rompió relaciones por el exceso de trabas que encontró a la hora de planificar estrategias discográficas. A pesar de ello, fue una época muy prolífica con 15 lanzamientos, potenciados por el auge del recién estrenado formato de LP (long play).

En la década de 1960, Frank su andadura en una compañía propia, de tal modo que por fin podía dar rienda suelta a su creatividad. Durante esta nueva etapa, vivió experiencias tan dispares como un rotundo éxito en la producción de la gala inaugural de la presidencia de John Fitzgerald Kennedy, un turbulento romance con Marilyn Monroe (con un fatal desenlace), una prolífica participación conjunta con Elvis Presley en un programa de televisión, y la pérdida de su licencia de juego, a cargo de las autoridades del estado de Nevada, por sus conexiones con la mafia.

La historia de Frank Sinatra está marcada por la dualidad de una vida privada excéntrica y un éxito profesional sin precedentes. Finalmente falleció el 14 de mayo de 1998 en Los Ángeles (California), legando al mundo de la música no solo una voz irrepetible, sino su afán constante de hacer llegar el jazz al gran público y sacarlo del nicho elitista del que originalmente procedía.

Entre los grandes éxitos cantados por Sinatra incluidos en el repertorio de la Big Band de Alcalá de Henares destacan “Fly me to the moon” (original de 1954 e interpretada por Sinatra una década más tarde), y “New York, New York”, original de 1977.

Chick Corea ha sido, probablemente, uno de los pianistas de jazz-fusión más influyentes de la era moderna. De nombre original Armando Anthony Corea, nacido en Chelsea (Massachussets, EEUU) y de ascendencia italoespañola, aprendió a tocar el piano a la edad de 4 años movido por la influencia de su padre, Armando J. Corea, un reconocido músico profesional de la época.

Años después, se adentró minuciosamente en el estudio de reconocidos músicos de jazz como Thelonius Monk, Dizzy Gillespie, Bud Powell o Art Tatum; sus orígenes mediterráneos formaron un mescolanza creativa con los estilos de estas figuras, y dieron lugar a una peculiar fusión de jazz con ritmos latinos.

Su primera aparición liderando un grupo se produjo en 1966 con Joan’s Bones; más adelante, trabajó con músicos de la categoría de Stan Getz y Herbie Mann, hasta que unió sus teclas a la trompeta de Miles Davis en 1968, reemplazando a Herbie Hancock en un proyecto de transición que dejó para la posteridad piezas como Bitches Crew, On the Corner o In a Silent Way.

Tras su colaboración con Davis y después de un proyecto de jazz vanguardista en un cuarteto denominado Círculo, volvió a dar un giro a su estilo y formó su propia banda (Return to Forever) en 1971, una aclamada formación que profundizó en el jazz-fusión, y donde tuvo como compañero al mismísimo Al DiMeola.

La banda se escindió a finales de la década de los setenta, y fue a mediados de la siguiente década cuando Corea, tras grabar piezas con Roy Haynes, Michael Brecker, Miraslav Vitous y el propio Hancock, formó The Elektrik Band, un cuarteto con quien empleó nuevas técnicas de mezclas que combinaba el sonido clásico del piano con teclados electrónicos.

En 2001, Corea reunió a Avishai Cohen al contrabajo y a Jeff Ballard a la batería, grabando “Pasado, presente y futuro”, un álbum lleno de energía, y con un sonido más mundano y cercano que el alcanzado durante los años previos de experimentación con los teclados electrónicos.

Paralelamente, Corea mostró su próspero interés en la música clásica al componer su primer concierto para piano y una adaptación de su fragmento para una sinfonía completa de orquesta, ejecutada por la Filarmónica de Londres en 1999.

Obtuvo un total de 65 nominaciones a los Premios Grammy, obteniendo varios galardones Latin Grammy en la categoría de Mejor Álbum Instrumental, Mejor Composición Instrumental, Mejor Solo de Jazz Instrumental y, particularmente, Mejor Arreglo Instrumental en 2001 por Spain, una de sus composiciones más conocidas.

Después de enfrentarse a un extraño cáncer, este genio nos dejó el 9 de febrero de 2021. En los oídos de los amantes del jazz todavía resuenan sus intrincadas armonías y su fresco estilo de jazz latino.